Magisterarbeit aus dem Jahr 2001 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 2,7, Ruhr-Universitat Bochum (Philosophie, Padagogik und Publizistik), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe: Einleitung: Der Neo-Realismus ist eine kunstlerische Ausdrucksform, die in die italienische Filmkunst und Literatur ca. mit Beginn der 40er Jahre Einzug gehalten hat. Der Neo-Realismus verblasste etwa mit dem Ende der 70er Jahre. In dieser Magisterarbeit wird der Neo-Realismus des italienischen Films behandelt. Das Buch von Andre Bazin (1975): Was ist Kino wird zur Erklarung des Phanomens Neo-Realismus im Vordergrund stehen. Denn Bazin bespricht in seinem Werk explizit die Ursachen, die Formen und die Wirkungsebene des italienischen neo-realistischen Kinos. Zudem bietet Bazin eine theoretische Abhandlung uber die Konzeption des fotografischen Bildes, welches durch seine Ausdrucksform die realistische Kunst beflugelt hat. Des weiteren werden Aufsatze verwendet, die sich wahrend der Schaffensperiode der neo-realistischen Filme mit dem Phanomen Neo-Realismus beschaftigten. Dabei konzentrierten sie sich auf die Filmform, die Innovation der Mittel, den Ursprung und die Filmaussagen des neo-realistischen Films. Das Buch von Meder, Thomas (1993): Vom Sichtbarmachen der Geschichte, das aus seiner Dissertation entstand, gibt einen Uberblick uber die filmgeschichtlichen Fakten, aus denen der Neo-Realismus erwuchs. Dabei setzt Meder einen Schwerpunkt auf die Filmbehorden und- institute, die unter dem faschistischen Regime gegrundet wurden und in denen der Neo-Realismus seine theoretische und praktische Quelle fand. Deleuze, Gilles (1997) legt seinem Werk Das Zeit-Bild die Ansatze Bazins zugrunde und entwickelt das Modell des optisch-akustischen Bildes. Dabei gibt Deleuze zu verstehen, dass der Neo-Realismus nicht lediglich aus der quantitativen Realitat seiner Bilder, im Sinne von einem mehr oder weniger an Realitat, zu erklaren ist. Damit spricht er eine Wahrnehmung des Bildes

Diplomarbeit aus dem Jahr 2001 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,1, Universitat der Kunste Berlin (2 Gesellschafts- und Wirtschaftskommunikation, Gesellschafts- und Wirtschaftskommunikation), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe: Einleitung: Der Bildungstourist Goethe bereiste im Jahre 1787 Italien mit der Postkutsche und stellte fest: Italien ohne Sizilien macht gar kein Bild in der Seele. Hier ist erst der Schlussel zu allem. Der deutsche Schriftsteller Johann Gottfried Seume unternahm zwei Jahrzehnte spater von Leipzig aus einen Spaziergang nach Syrakus in Sizilien und entdeckte den bestialischen Makkaronenfrass des gemeinen Sizilianers. Aber welches Bild weckt Sizilien? Selbst wer noch nie in Sizilien, diesem oft vergessenen Anhangsel von Italien, gewesen ist, hat bestimmte Vorstellungen von der Insel nicht zuletzt durch die vielen Filme, die in und uber Sizilien entstehen. Angefangen bei den Klassikern wie Stromboli uber Giuseppe Tornatores Nuovo Cinema Paradiso bis hin zu der Serie Allein gegen die Mafia kam Sizilien in jedes Wohnzimmer, oft voller Klischees und Stereotypen: rauchende Schrotflinten und die Mafia, wustenahnliche Landstriche, archaischer Ehrbegriff, dornige Kaktusfeigen. In dieser Arbeit mochte ich untersuchen, wie Sizilien im Film dargestellt wird. Um den Umfang dieser Arbeit nicht zu sprengen und die einzelnen Filme ausreichend analysieren zu konnen, mochte ich mich auf drei Regisseure beschranken: Luchino Visconti, Francesco Rosi und Pietro Germi. Die sechs von mir ausgewahlten Filme sind in den Jahren von 1948 bis 1976 entstanden, so dass aufgrund des zeitlichen Spektrums auch darauf eingegangen werden kann, ob eine Entwicklung in der filmischen Darstellung stattgefunden hat. Zunachst mochte ich kurz die Vorgehensweise fur diese Arbeit und die Kriterien, nach denen ich die Filme der drei Regisseure ausgewahlt habe, erlautern. Folgende Filme habe ich fur die Untersuchung ausgewahlt: 1. La terra trema (1948) dt. Ti

Diplomarbeit aus dem Jahr 2001 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,0, Universitat der Kunste Berlin (2), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe: Gang der Untersuchung: Im Mittelpunkt der Arbeit steht die Analyse der Filme Jarmuschs. Diese werden im Hinblick auf ihre aussere und zugleich stagnierende innere Reise untersucht, sowie ihre Aussagen in Bezug auf eine Lebensreise herausgearbeitet. Dabei liegt ein besonderes Interesse auf Jarmuschs Entwicklung der Betrachtung einer insgesamten Lebensreise innerhalb seines Gesamtwerks. Um diese Untersuchung zu fuhren, werden Jarmuschs Filme in ihrer Chronologie analysiert und jede einzelne Reise herausgearbeitet, um deren thematische Gesamtentwicklung darstellen zu konnen. Dabei wird seine individuelle Nutzung und Kombination asthetischer Verfahren der klassischen, parametrischen und der Art Cinema Narration berucksichtigt, sowie seine Modifikation einiger typischer Motive des Road Movie. Im zweiten Kapitel wird zunachst der historische Kontext des Filmemachers beschrieben. Es werden Jarmuschs Biographie sowie sein gesellschaftliches und kunstlerisches Umfeld beleuchtet, um die aus seinen Lebensumstanden bzw. seinem Lebenslauf resultierenden Einflusse auf sein Schaffen aufzuzeigen. Anschliessend werden im dritten Kapitel kinematographische Einflusse auf Jarmusch anhand seiner Vorlaufer untersucht. Da seine Entwicklung seit Stranger Than Paradise zu einem Ansehen als einflussreicher elder statesman der amerikanischen Independent-Szene (Andrew, 1999a: 146) gefuhrt hat, wird deren Entwicklung kurz aufgezeigt, da sie seine eigene Arbeit beeinflusste. Daran anschliessend wird ein Uberblick uber die Stromungen des europaischen Art Cinema sowie des japanischen Kinos gegeben, deren asthetische Verfahren auf Jarmusch ebenfalls einen wesentlichen Einfluss hatten. Das vierte Kapitel befasst sich mit dem zentralen Aspekt der Reise, wobei das Genre Road Movie ebenfalls als Einfluss auf Jarmuschs Werk zu betrachten

Magisterarbeit aus dem Jahr 1997 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,0, Universitat zu Koln (Philosophie, Theater-, Film- und Fernsehwissenschaft), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe: Einleitung: Die Arbeit beschaftigt sich mit der Frage, warum und auf welche Weise Shakespeare-Filme seit jeher eine grosse Anziehungskraft auf das Kinopublikum ausuben und insbesondere in den 90er Jahren eine Renaissance erfahren haben. Die Filme dieser jungsten Entwicklung werden unter drei Perspektiven einer Analyse unterzogen: 1. Das Drehbuch: Welche verschiedenen Moglichkeiten der dramaturgischen Bearbeitung fur einen Film werden hier verwirklicht bzw. wie macht man aus einem Shakespeare-Drama ein Drehbuch? 2. Die Inszenierung: Welche unterschiedlichen Stile hinsichtlich Kamera, Schnitt, Musik und Ton fugen sich auf welche Weise in ein Gesamtkonzept? 3. Die Publikumswirkung: Welche seelischen Grundprobleme werden in Shakespeares Dramen belebt und anhand welcher psychologischer Wirkungsmechanismen setzen sie sich in den Filmen um? Die vergleichende Analyse dieser drei Perspektiven macht deutlich, dass die Geschichten in Shakespeares Dramen ein reichhaltiges Angebot sowohl fur eine experimentelle Bildsprache als auch fur sehr individuelle inhaltliche Interpretationen machen. Die Herausarbeitung der verschiedenen Moglichkeiten einer Interaktion zwischen den modernen Filmemachern und den klassischen Dramen William Shakespeares sind der Gegenstand dieser Arbeit. Inhaltsverzeichnis: Inhaltsverzeichnis: 1.Einleitung4 2.Shakespeare auf der Leinwand: Ein filmhistorischer Uberblick7 2.1Methodische Vorbemerkung7 2.2Shakespeare-Verfilmungen in der Stummfilmzeit und in der fruhen Tonfilmzeit8 2.3Die Verfilmungen von Laurence Olivier, Orson Welles und Franco Zeffirelli13 2.4Shakespeare-Verfilmungen in den siebziger und achtziger Jahren20 2.5Uberblick uber die statistischen Daten23 2.6Resumee24 3.Entwicklung und Stand der Forschung26 3.1Uberblick uber die Literaturgeschic

Magisterarbeit aus dem Jahr 1996 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,0, Universitat zu Koln (Unbekannt), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe: Gang der Untersuchung: Die Arbeit stellt einen Zusammenhang her zwischen der filmischen Asthetik Antonioni einerseits und dem von Gustav Reno Hocke entwickelten Manierismus-Begriff andererseits. Sie gliedert sich im wesentlichen in zwei Teile: 1. Vorstellung des Analyse-Begriffs"Manierismus." 2. Analyse des Filmwerkes Antonionis. Die Asthetik der Filme wird dabei insbesondere unter folgenden Kriterien untersucht. 1. Naturdarstellung. 2. "Gesprengte" Bilder. 3. Traum-Visionen. 4. Abstraktion und Fragmentarisierung. 5. Metaphorik. 6. Labyrinth-Motive. Inhaltsverzeichnis: Inhaltsverzeichnis: 0.Einleitung4 1.Erarbeitung des Analyse-Kriteriums "Manierismus11 1.1Manierismus als uberzeitliches Phanomen11 1.2Manierismus als Ausdruck einer Krise14 1.3"Idea"-Lehre und Anaturalismus17 1.4Der Gegensatz Manierismus - Klassik19 1.5Manierismus als Epoche22 2.Analyse: Manieristische Phanomene im Werk Antonionis26 2.1 Die aussere Wirklichkeit26 2.1.1Das Phanomen -Natur26 2.1.2Naturdarstellung bei Antonioni28 2.1.2.1"Magische" Natur30 2.1.2.2Quasi-naturliche Chiffren34 2.1.2.3Farbgestaltung bei Antonioni37 2.2Sprengkraft des Bildes45 2.2.1"Figura Serpentinata"45 2.2.2"Figura Serpentinata" bei Antonioni47 2.3"Landschaft des Traums"56 2.3.1Traum und Vision56 2.3.2Traum-Visionen bei Antonioni57 2.3.2.1"halluzinierende" Gesichter61 2.4Bruchstucke der Wirklichkeit63 2.4.1Abstraktion und Fragmentarisierung63 2.4.2Abstraktion und Fragmentarisierung bei Antonioni64 2.5"Korrespondenzen des Entlegenen"77 2.5.1Metaphorik77 2.5.2Metaphern im Werk Antonionis80 2.5.2.1Filmische Metaphern80 2.5.2.2Sprachliche Metaphern86 2.689 2.6.1Labyrinth-Motive89 2.6.2Das Motiv "Labyrinth" bei Antonioni91 3.Schlussbemerkung101 4.Anhang105 4.1Quellen105 4.1.1Sekundarliteratur105 4.1.2Lexika107 4.1.3Drehbucher107 4.1.4Doku

Magisterarbeit aus dem Jahr 1995 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 2,0, Leuphana Universitat Luneburg (Unbekannt), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe: Zusammenfassung: Die Geschichte der Photographie wird von Anfang an von einem zweigliedrigen System begleitet: die ungestellt-dokumentarische Photographie auf der einen Seite und die gestellt-inszenierende Photographie auf der anderen Seite. Die Annahme der strikten Trennung von Subjektivitat, Inszenierung und Manipulation von Wirklichkeit einerseits und Objektivitat, Dokumentation, Authentizitat und Abbildtreue gegenuber dem Aufgenommenen andererseits stellt die vorliegende Arbeit kritisch in Frage. Anhand der Entwicklung der Dokumentarphotographie wird chronologisch der Frage nachgegangen, ob sich in den Arbeiten der als bedeutende Dokumentaristen geltenden Photographen ebenfalls bildgestaltende Elemente und inszenierende Praktiken finden lassen. Dazu werden verschiedene Arten dokumentarischer Photographie wie z.B. Kriegsphotographie, sozialkritische Photographie und Pressephotographie aufgegriffen und durchleuchtet. Anhand der Darstellung der Arbeitsweisen bedeutender Vertreter der jeweiligen "Gattung" und der jeweiligen Epoche sowie anhand von begleitendem Bildmaterial wird die Annahme bestatigt, dass in der sogenannten Dokumentarphotographie von Anfang an arrangierte und konstruierte Elemente eine grosse Rolle gespielt haben. Zum Vergleich werden Techniken und (Bild-) Beispiele sogenannter Kunstphotographen aufgefuhrt. Unter dem Aspekt: "inwieweit ist Photographie uberhaupt imstande Wirklichkeit, Objektivitat und Wahrheit abzubilden?" werden dabei auch unterschiedliche Standpunkte verschiedener (Kunst-) Theoretiker dargestellt. Am Beispiel z.Z. tatiger Bildjournalisten wird gezeigt, dass die Einmischung in die (Bild-)Wirklichkeit heute ebenfalls ein aktuelles Thema ist. Der Vergleich mit den Arbeiten akademisch ausgebildeter Photo-Kunstler (z.B. Bernd und Hilla Becher, Thomas Ruff) ist auch

In film history, director-cinematographer collaborations were on a labor spectrum, with the model of the contracted camera operator in the silent era and that of the cinematographer in the sound era. But in Weimar era German filmmaking, 1919-33, a short period of intense artistic activity and political and economic instability, these models existed side by side due to the emergence of camera operators as independent visual artists and collaborators with directors. Berlin in the 1920s was the chief site of the interdisciplinary avant-garde of the Modernist movement in the visual, literary, architectural, design, typographical, sartorial, and performance arts in Europe. The Weimar Revolution that arose in the aftermath of the November 1918 Armistice and that established the Weimar Republic informed and agitated all of the art movements, such as Expressionism, Dada, the Bauhaus, Minimalism, Objectivism, Verism, and Neue Sachlichkeit ("New Objectivity"). Among the avant-garde forms of these new stylistically and culturally negotiated arts, the cinema was foremost and since its inception had been a radical experimental practice in new visual technologies that proved instrumental in changing how human beings perceived movement, structure, perspective, light exposure, temporal duration, continuity, spatial orientation, human postural, facial, vocal, and gestural displays, and their own spectatorship, as well as conventions of storytelling like narrative, setting, theme, character, and structure. Whereas most of the arts mobilized into schools, movements, institutions, and other structures, cinema, a collaborative art, tended to organize around its ensembles of practitioners. Historically, the silent film era, 1895-1927, is associated with auteurs, the precursors of Francois Truffaut and other filmmakers in the 1960s: actuality filmmakers and pioneers like R. W. Paul and Fred and Joe Evans in England, Auguste and Luis Lumiere and Georges Melies in France, and Charles Chaplin and Buster Keaton in America, who, by managing all the compositional, executional, and editorial facets of film production-scripting, directing, acting, photographing, set, costume, and lighting design, editing, and marketing-imposed their personal vision or authorship on the film. The dichotomy of the auteur and the production ensemble established a production hierarchy in most filmmaking. In formative German silent film, however, this hierarchy was less rank or class driven, because collaborative partnerships took precedence over single authorship. Whereas in silent film production in most countries the terms filmmaker and director were synonymous, in German silent film the plural term filmemacherin connoted both directors and cinematographers, along with the rest of the filmmaking crew. Thus, German silent filmmakers' principle contribution to the new medium and art of film was less the representational iconographies of Expressionist, New Objective, and Naturalist styles than the executional practice of co-authorship and co-production, in distinctive cinematographer-director partnerships such as those of cinematographer Theodor Sparkuhl and director Ernst Lubitsch; Fritz Arno Wagner with F. W. Murnau, Fritz Lang, and G. W. Pabst; Rudolf Mate with Carl Theodor Dreyer; Guido Seeber with Lang and Pabst; and Carl Hoffmann with Lang and Murnau.

How does a film come to look the way it does? What influence does a film's look have on our reaction to it? Cinematography's role as a science and an art is often forgotten. Cinematography remedies this omission by examining the highlights of the art of the cinematographer and providing the first comprehensive overview of how the field has rapidly evolved, from the early silent film era to today's digital imagery. It shows how the art of cinematography has been influenced by both technological advances and trends in the movie industry, from the rise of big-budget blockbusters to the spread of indie films, with detailed views of films and profiles of the major cinematographers. It is a valuable behind-the-scenes look at the profession and a stirring celebration of the art form, that will equip general readers, students & industry professionals with a fresh eye for what appears on the screen.

The original foreign film--its sights and sounds--is available to all, but the viewer is utterly dependent on a translator and an untold number of technicians who produce the graphic text or disconnected speech through which we must approach the foreign film. A bad translation can ruin a film's beauty, muddy its plot, and turn any joke sour.
In this wide-ranging work, Abe Mark Nornes examines the relationships between moving-image media and translation and contends that film was a globalized medium from its beginning and that its transnational traffic has been greatly influenced by interpreters. He discusses the translation of film theory, interpretation at festivals and for coproductions, silent era practice," talkies," subtitling, and dubbing.
Nornes--who has written subtitles for Japanese cinema--looks at the ways misprision of theory translations produced stylistic change, how silent era lecturers contributed to the construction of national cinemas, how subtitlers can learn from anime fans, and how ultimately interpreters can be, in his terms, "traders or traitors."
Abe Mark Nornes is associate professor of Asian languages and cultures and film and video studies at the University of Michigan. He is the author of Japanese Documentary Film" (Minnesota, 2003) and Forest of Pressure" (Minnesota, 2007).

Song lyrics fly across the screen in time to music. A globe spins and zooms into a war-torn country. Money rises from a screen to explain an economic situation. Now, more than ever, we are surrounded by these motion graphics on our TV and cinema screens, on our smartphones, computers, and tablets, on Main Street and in our galleries. Motion Graphics: Principles and Processes from the Ground Up is your introduction to the core principles of the discipline, whether your background or ambitions lie in animation, graphic design, film production, or visual effects. Ian Crook and Peter Beare provide you with a wide understanding of the key concepts and techniques that will help you plan, develop and produce your own creative projects.

THE INSIDER'S GUIDE TO THE DIGITAL REVOLUTION.

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. * On Creating Digital Content: Video Production for Web, Broadcast, and Cinema, co-edited by Brian McKernan.

. INSIDE THE PARADIGM SHIFT THAT'S REMAKING THE MOTI0N PICTURE INDUSTRY
. Not since the advent of sound has technology so greatly impacted motion pictures. With its huge cost-saving potential, digital technology can alter every aspect of the movie-making process, from shooting through postproduction to delivery and exhibition..

. The digital cinema revolution is the result of years of progress in the technologies of film, computer graphics, and high-definition television. Now Brian McKernan, founding editor of Digital Cinema magazine, provides an up-to-date look at how new digital technologies are reshaping the movie industry.. Digital cinema -- how it came about, its history and pioneers. Understanding digital image compression. The latest camera choices for digital cinematography -- from high end systems to the affordable world of indie filmmaking. Audio and the cinema -- why sound is half the picture. The revolution in postproduction -- the convergence of computer graphics, HDTV, film, and video. Nonlinear editingsoftware choices, new techniques, and digital compositing. Digitalintermediates--color grading, changing the shot after the shoot, film transfer, and film recording. Independent digital filmmaking in Hollywood and across the nation -- the democratization of the movies. The new role of the cinematographer in the digital age. Understanding digital projection technologies. What digital cinema means to indie productions, exhibitors, film distribution, and the future of the movies.

. You'll also find insights on the cost-vs.-quality controversy, the impact of digital cinema on creative freedom, and the integration of film and digital from such leading filmmakers as George Lucas, Robert Rodriguez, and Michael Ballhaus ASC..

FILM PRODUCTION TECHNIQUE (FPT): CREATING THE ACCOMPLISHED IMAGE, 6e, is aimed at the basic production course taken by radio/tv/film majors. FPT, 6e, delivers a technical and aesthetic introduction to media production that couples video production techniques with strong emphasis on incorporating motion picture film into a project's workflow. The text serves as a primer for all students, but is especially valuable to those students with limited background in the field of media production. FPT, 6e explores cutting-edge technologies as well as traditional Hollywood techniques, covering lighting, cameras, editing, crew organization, and the production process. It also lays out the basic, conventional approach to scene structure in a straightforward and methodical manner.