Angst hat Konjunktur. Der "Spiegel" titelte im Oktober 2010 von der "Macht der Angst" und berichtete, dass 14,2% der Bev lkerung unter einer Angstst rung leiden. Obwohl in unserer Gesellschaft oftmals als Schw che angesehen, ist sie sowohl ein Grundaffekt der "conditio humana" als auch genauso mannigfaltig in ihren Erscheinungsformen. Angst existiert dabei unabh ngig vom Entwicklungsstand einer Gesellschaft oder Kultur. So f hrt der Fortschritt in Technik und Wissenschaft keineswegs zu einer Ausschaltung von Angst, es verh lt sich vielmehr so, dass gewisse ngste in den Hintergrund treten und neue generiert werden. Der Spielfilm nutzt diesen Mechanismus nicht nur als reflexiven Ausdruck von zentralen ngsten einer bestimmten Epoche, sondern befriedigt in unserer hochentwickelten Sicherheitsgesellschaft auch ein nat rliches Bed rfnis an Angst. Dementsprechend unterschiedlich gestalten sich die filmischen Stoffe, Motive und Inszenierungstechniken. Anhand ausgew hlter Filmbeispiele aus unterschiedlichen Epochen fragt diese Arbeit nach den Methoden, Motiven und Kontinuit ten in der Darstellung von Angst im Spielfilm unter Bezugnahme auf den historischen Kontext des Begriffs Angst.

Wenn heutzutage eine Romantische Kom die in die Kinos kommt, verwenden Redakteure in ihrer Film-Besprechung gerne den Begriff "Screwball Comedy" und beziehen sich damit auf ein recht altes und ebenso beliebtes Film-Genre. Woher der Begriff kommt und ob er den betreffenden Film tats chlich richtig klassifiziert, ist dabei allerdings offenbar den wenigsten klar. Urspr nglich als Fachbegriff in der Sprache des Baseball beheimatet, wurde der Ausdruck "screwball" n mlich im us-amerikanischen Slang sp ter auch f r eine verr ckte, v llig irrational agierende Person verwendet. Dieser Umstand grenzt eine Genre-Definition zumindest schon einmal soweit ein, dass sich wenigstens ein paar der Protagonisten eines Filmes exzentrisch verhalten m ssen, damit dieser Film als Screwball Comedy bezeichnet werden darf. Trotz einer gewissen Inhomogenit t des Genres gibt es dar ber hinaus noch einige weitere Merkmale, die die Screwball Comedy charakterisieren. Ein oftmals phantasievoll ausgefochtener Geschlechterkampf, ein aberwitziges Tempo von Dialog und Handlung und eine kreativ verschleierte sexuelle Symbolik sind nur ein paar dieser typischen Charakteristika. Diese Untersuchung analysiert all diese Merkmale anhand diverser Filmbeispiele und kristallisiert so den typischen Screwball-Stil heraus. Davon ausgehend wird untersucht, welche gesellschaftlichen und politischen Einfl sse diesen Screwball-Stil gepr gt haben und in wieweit eine Romantische Kom die heutzutage tats chlich noch eine "echte" Screwball Comedy sein kann.

Dokument aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Eine der beruhmtesten Leinwandheldinnen in Musicals der fruhen 1950-er Jahre und in zahlreichen jungfraulichen Sexkomodien der spaten 1950-er ist die amerikanische Schauspielerin und Sangerin Doris Day, geborene Doris Mary Ann Kappelhoff. Unvergessen sind vor allem ihre Filme, die sie an der Seite des amerikanischen Schauspielers Rock Hudson (1925-1985) drehte. Die Kurzbiografie Doris Day - Die Heldin jungfraulicher Sexkomodien" des Wiesbadener Autors Ernst Probst schildert ihr Leben.

Dokument aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Ein Weltstar bereits vor ihrem 18. Geburtstag war die amerikanische Filmschauspielerin Jodie Foster, eigentlich Alicia Christian Foster. Ihr fruher Ruhm basierte vor allem auf Rollen, in denen sie Kind-Frauen des Lolita-Typs" verkorperte. Fur zwei ihrer spateren Filme erhielt sie - 1989 und 1992 - je einen Oscar" als beste Schauspielerin. Wegen ihres Yale-Examens und ihres Intelligenzquotienten (IQ) von 140 bezeichnete man sie als Hollywoods klugste Schonheit."

Thema dieses Buches sind Formen der Verwandlung der Film sthetik in die Kunst sthetik in den Installationen von Shirin Neshat. Die Untersuchung f ngt bei ihren ersten Fotografien der Serie WOMEN OF ALLAH an und reicht bis zu ihrer letzten Installationsreihe WOMEN WITHOUT MEN. Das Kunstst ck, zuerst f rs Museum geschaffen, war die Grundlage f r ihren ersten Kinofilm unter dem gleichen Titel. Shirin Neshat orientiert sich in ihren Arbeiten an der Frauenliteratur aus dem persischen Raum wie Forough Farrokhzad und Shahrnush Parispur, Autorinnen, die aufgrund ihrer feministischen Werke verbannt wurden und ihr Land verlassen mussten. Neshat sch pft aus dem Reichtum der persischen Kultur und Geschichte und schafft somit eine neue Form des Kinos in der westlichen Welt, die Hamid Dabashi mit "accendet cinema" bezeichnet. Ausgangspunkt dieser Untersuchung war die Frage, unter welchen Bedingungen K nstler schaffen, die ihren Kulturkreis verlassen und sich in einer anderen Kultur einfinden. Bei Shirin Neshat war das der kulturelle Schock, den sie in ihrem eigenen Land nach einer 17-j hrigen Abwesenheit erlebt hatte. Die Ver nderungen nach der Revolution 1979 hinterlie en eindeutige Spuren: Verbote und Gebote, mit denen das persische K nigreich in die Islamische Republik Iran umgewandelt wurde. Neshat entschied sich aufgrund dessen, f r ihre k nstlerische Laufbahn doch nach Amerika zur ckzukehren, wo sie als Folge ihre Fotoserie WOMEN OF ALLAH schuf und schnell an Popularit t gewann. Die Studie besch ftigt sich mit der k nstlerischen und filmischen sthetik, die sich durch die einzelnen Schaffensperioden der K nstlerin konstant durchzieht.

Dokument aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Zur Kultfigur des Films avancierte aufgrund zahlreicher Mythen und Legenden die schwedisch-amerikanische Filmschauspielerin Greta Garbo (1905-1990), deren burgerlicher Name Greta Lovisa Gustafsson war. In Stummfilmen der 1920-er Jahre beeindruckte die Gottliche" mit ihrer kuhlen, nordischen Schonheit und durch ihr Talent, Gefuhle mit sparsamen Gesten auszudrucken. Die Kurzbiografie Greta Garbo - Die Gottliche" des Wiesbadener Autors Ernst Probst schildert ihr Leben.

Dokument aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Ein Stummfilmstar der 1910-er und 1920-er Jahre war die aus Polen stammende Schauspielerin Pola Negri (1894-1987), eigentlich Barbara Apolonia Chalupiec. Ebenso wie die Deutsche Marlene Dietrich (1901-1992) und die Schwedin Greta Garbo (1905-1990) wurde sie bereits zu Lebzeiten zur Legende. Die Queen of Vamp" uberlebte zwei Weltkriege, drei Ehemanner und etliche Liebhaber. Die Kurzbiografie Pola Negri" des Wiesbadener Autors Ernst Probst schildert ihr bewegtes Leben.

Dokument aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Frankreichs ber hmteste Filmschauspielerin der 1950-er Jahre war zweifellos Brigitte Bardot ( B.B."). Sie galt in ihrer Glanzzeit als eine neue Art von Sexsymbol. Ihre Markenzeichen sind ihr Schmollmund und ihr lebhafter Sexappeal gewesen. ber sie hie es: Gott erschuf sie, Roger Vadim polierte ihre Kurven." F r die Regenbogenpresse in aller Welt lieferten ihre vier Ehen und ihre zahlreichen Liebhaber viel Lesestoff. Die Kurzbiografie Brigitte Bardot" des Wiesbadener Autors Ernst Probst schildert ihr bewegtes Leben.

Dokument aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Einen Ehrenplatz als Konigin von Hollywood" nahm die amerikanisch-englische Filmschauspielerin Elizabeth ( Liz") Taylor (1932-2011) in der Welt des Kinos ein. Zwei Oscars" als beste Schauspielerin und mehrere Nominierungen fur diese begehrte Auszeichnung zeugten von ihrem grossen Talent vor der Filmkamera. Die zahlreichen gescheiterten Ehen der Diva lieferten der Regenbogenpresse reichlich Stoff. Die Kurzbiografie Liz Taylor. Die Konigin von Hollywood" des Wiesbadener Autors Ernst Probst schildert ihr Leben

Dokument aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Deutschlands bedeutendste Regisseurin und Fotografin war Leni Riefenstahl (1902-2003). Ihr zweiteiliger Film ber die Olympischen Spiele 1936" gilt als Meisterwerk der Filmgeschichte und der Montagetechnik und z hlt in Hollywood als einer der zehn besten Streifen, die jemals gedreht wurden. Sp ter machte sie sich mit Fotos, die in Bildb nden und Ausstellungen gezeigt wurden, international einen Namen. Die Kurzbiografie Leni Riefenstahl" des Wiesbadener Autors Ernst Probst schildert ihr Leben.

Dokument aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Mit den Attributen Venus des 20. Jahrhunderts," sch nste Frau der Welt" und K nigin von Hollywood" feierte man in den 1940-er und 1950-er Jahren die amerikanische Schauspielerin Ava Gardner (1922-1990). In den meisten ihrer Filme trat sie als Sexg ttin auf, besa jedoch - wie einige ihrer Streifen bewiesen - auch Talent f r anspruchsvollere Rollen. Ihre ungl cklichen Ehen, Liebesaff ren und exzentrischen Ausschweifungen erregten fast noch mehr Aufsehen als ihre k nstlerische Arbeit. Die Kurzbiografie Ava Gardner" des Wiesbadener Autors Ernst Probst schildert ihr Leben.

Dokument aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: -, -, Sprache: Deutsch, Abstract: Hollywoods Liebesg ttin" der 1940-er Jahre war die amerikanische Filmschauspielerin und T nzerin Rita Hayworth (1918-1987), geborene Margarita Carmen Cansino. Ihren Ruf als Inbegriff der Sinnlichkeit verdankte sie ihrem offenen L cheln, ihren blitzenden Augen und ihrer Figur. In Wirklichkeit litt sie unter extremer Scheu und mangelndem Selbstbewusstsein, was sie durch enorme Disziplin, harte Arbeit und gro en Ehrgeiz zu berwinden versuchte. Die Kurzbiografie des Wiesbadener Autors Ernst Probst schildert ihr Leben.

Wer kennt sie nicht, die Filme, bei denen man sich die Haare rauft und denkt: "Das stimmt doch vorn und hinten nicht ," oder aber man klatscht in die H nde und jubelt: "Klasse, genauso ist es wirklich ." Warum gelingt es einigen Filmen, eine Geschichte so t uschend echt zu erz hlen, dass sich der Zuschauer v llig in ihr verliert und am Ende wom glich vergisst, dass er gerade einen Film sieht? Warum m ssen andererseits Filme ertragen werden, denen man anschlie end vorwirft, sie h tten einem nicht nur kostbare Lebenszeit geraubt, sondern auch den Abend mit albernen Klischees verdorben? Liegt es jeweils nur an der brillanten oder desastr sen Geschichte, Inszenierung, Schauspielerleistung usw.? Oder aber geh rt auch die entsprechende Authentizit t dazu? Warum glauben immer noch einige Filmemacher, dass ein mittelm iger Stunt die Oberfl chlichkeiten bert nchen kann und sich die Fehler "versenden"? W hrend meines Praxissemesters bei Studio Hamburg h rte ich dieses schreckliche Wort zum ersten Mal. Jenes Erlebnis gab den Anreiz, eine Diplomarbeit dar ber zu schreiben. Sebastian Pioch untersucht die Fragestellung, warum Authentizit t beim Spielfilm so wichtig ist, auch wenn es sich nicht um einen Dokumentarfilm handelt. Er deckt auf, warum Filmemacher die Wahrheit kennen sollten, selbst wenn sie im Film anders erz hlt wird. Pioch hat zahlreiche, z.T. prominente, deutsche Filmemacher hinsichtlich ihrer Rechechetechniken befragt und dabei erstaunliches herausgefunden. Lesen Sie, warum in deutschen Filmen zumeist das Klischee regiert und warum der Authentizit t zu oft der Weg ins Kino bzw. ins Fernsehen versagt bleibt.

Studienarbeit aus dem Jahr 2011 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,0, Leuphana Universitat Luneburg, Veranstaltung: Digitale Fotografie, Sprache: Deutsch, Abstract: Schaut man sich einschlagige Titel kulturwissenschaftlichen Arbeiten zur analogen und digitalen Fotografie an, so erweckt dies den Eindruck als unterscheide sich das Wesen der digitalen Fotografie so fundamental von dem der analogen, als sei letztere tot. Herta Wolf sieht das Ende des fotografischen Zeitalters" gekommen, Rotzer beschreibt die digitale Fotografie als Fotografie nach der Fotografie," und fur W. J. Mitchel ist die Fotografie seit 1989 tot bzw. verdrangt. Weiterhin findet nicht nur Lunenfeld das digitale Foto doch sehr dubitativ." Doch wie kommen die Autoren auf eine solche Annahme?

Harold Davis has become one of the most prolific photography authors in the business. Much more than a "software" guy, Harold is a truly unique, supremely talented photographer whose surreal images have become instantly recognizable, and he is perhaps best known for his images of flowers. In this gorgeous guide Harold delves deep into the world of flowers and provides everything that the hobbyist and serious amateur photographer needs to know to capture stunning images. The basics of equipment (for shooting both indoors and outdoors) are covered first. He then moves on to discuss different types of flowers and the intricacies of shooting each variety, before moving on to tips for capturing the particular sensuality of a flower in bloom. Finally, Harold brings in some of his patented techniques from The Photoshop Darkroom to show how these tools can be specifically applied to flower photography. Macro, nature, and flower photographers as well as general garden and flower enthusiasts will find much to enjoy in this gorgeous, practial collection of some of today's best flower imagery.

Studienarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,3, Leuphana Universitat Luneburg, Veranstaltung: Sommerschule Kunst und Politik, Sprache: Deutsch, Anmerkungen: Fotografie in der DDR als kunstlerisches und subkulturelles Medium zwischen 1979 und 1989 mit dem Schwerpunkt auf Ostberlin und Leipzig. Darstellung der geschichtlichen Entwicklung der DDR-Kunstpolitik. Darstellung der Fotografie als Gegenkultur. Kunstlergruppengeneration. Die andere Leipziger Schule., Abstract: 1.Einleitung Der Kunst war im Staatssozialismus der DDR die Aufgabe zugedacht, den Herrschaftsanspruch durch asthetische Prasentation der beabsichtigten gesellschaftlichen und zu erwartenden Wirklichkeit zu vergegenwartigen. Die Mittel dazu waren der Austausch von Handlungsformen zwischen Kunstler- und Arbeiterschaft, soziale Kollektivbildungen und die vehemente diskursive Vermittlung der vorgestellten Gesellschaftsordnung. Zwischen 1979 und 1989 - es ist das letzte Jahrzehnt der DDR - ist zunehmend eine Kunstlergeneration am Werke, die abseits der offiziellen Kulturpolitik tatig ist und sich subkulturelle Raume schafft. Als Kunstform ist dabei die Fotografie von grosser Bedeutung. Diese Hausarbeit will aufzeigen, wie sich die Fotografie als kunstlerisches Medium in der DDR entwickelt hat und welche fotografiebezogenen Subkulturen es gab, die moglicherweise zum Niedergang und Zusammenbruch der DDR beigetragen haben. Anhand der geschichtlichen Entwicklung des Verbandes Bildender Kunstler der DDR und der zentralen Kunstausstellungen soll die zunehmende Bedeutung der Fotografie als eigenstandige Kunstform im Staatssozialismus beschrieben werden

Studienarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,0, Freie Universitat Berlin (Kunsthistorisches Institut), Veranstaltung: Hauptseminar "Inszenierte Fotografie," Sprache: Deutsch, Abstract: Die Serie Transformer ist im Jahre 1973 entstanden und besteht aus drei Bildern, auf denen der Kunstler selbst zu sehen ist. Die Fotografien zeigen ihn frontal in enger, roter, glanzender Lederkleidung auf einem Sessel sitzend vor einem schlichten weissen Hintergrund. Durch seine Kleidung, die den Charakter von Fetischkleidung aufweist, begibt er sich in die Tradition der popkulturellen Entwicklungen der siebziger Jahre, vor allem des Glam Rock, in der androgyne Mannlichkeit zu einem weit verbreiteten und massenwirksamen Phanomen wurde. Hinweise auf Weiblichkeit finden sich vor allem durch Kleidung und Schminke. Allerdings ist Klauke nicht bestrebt, das Mannliche zu verstecken, vielmehr erzeugt er ein zwischen den Geschlechtern changierendes korperliches Konstrukt. Indem der Kunstler weibliche und mannliche Elemente auf der Oberflache seines Korpers vermischt, also ein binar codiertes Subjekt darstellt, verwirrt er den Betrachter und thematisiert herrschende Diskurse uber Identitat, Geschlecht, gangige geschlechtliche Rollenschemata und Korperlichkeit. Zu Beginn der siebziger Jahre befand sich das Medium Fotografie noch in der Phase der Etablierung. Die Fotografie als kunstlerisches Medium in Abgrenzung zum Medium der Dokumentation hatte sich noch nicht vollstandig durchgesetzt und bot daher Raum zum Experimentieren. Die Analyse beginnt mit einer Bildbeschreibung der dreiteiligen Serie Tranformer. Danach folgt eine kurze Darstellung der charakteristischen Eigenschaften des Mediums Fotografie an sich, dem Stellenwert fur Klaukes Arbeit allgemein und seine Relevanz fur die Serie Transformer. Anschliessend wird der Aspekt von Subjekt und Korperlichkeit diskutiert, um schliesslich zu der Frage zu gelangen, in welcher Beziehung Geschlecht und Ident

'Hypertextuell sein' bezeichnet in seinem Wesen ' ber-sich-hinaus-Sein'. Der Film "Lola rennt" von Tom Tykwer erz hlt immer wieder ' ber sich hinaus'. "Lola rennt" variiert seine Geschichte dreimal und verwirklicht damit zeitlich und auch r umlich die hypertextuellen Prozesse des ' ber-sich-hinaus-Sein'. Die hypertextuellen Modi funktionieren im Film dynamisch und das Erz hlen des Films erreicht eine vertiefte, volle Hypertextualit t: Text ' ber' Text als wiederholter Prozess. In seinen Erz hlstrukturen ist der Film von Wiederholungen und Zuf llen gepr gt und erm glicht dadurch eine Sicht auf 'm gliche Welten'. In der Zeit- und Raumkonstruktion ist er von Umkehrbarkeit und (Dis-)Kontinuit t, multiperspektivistischer Inszenierung der R ume und m biusscher Raumverbindung gepr gt. Der Film erz hlt die Geschichte im Prozess von 'Virtualisierung und Aktualisierung'. Dieses Erz hlen in "Lola rennt" ist spiralf rmig, w hrend es durch Wiederholungen immer n her zur vollen Realit t kommt. Diese Aspekte im Erz hlen des Films verwirklichen hypertextuelle Erz hlweise. Hypertextualit t ist formal, inhaltlich und auch philosophisch auf das Erz hlen des Films bezogen. Hypertextualit t ist eine sinnvolle Textualit t, die im zeitgen ssischen Kino zu finden ist. Durch die Ber cksichtigung der Hypertextualit t kann der Zuschauer sein Verst ndnis des zeitgen ssischen Kinos vertiefen.

Studienarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,0, Freie Universitat Berlin (Kunsthistorisches Institut), Veranstaltung: Inszenierte Fotografie, Sprache: Deutsch, Abstract: In einem kurzlichen Interview in der Zeitschrift art wurde Rineke Dijkstra gefragt wonach sie suche, wenn sie zur Kamera greift. Ihre Antwort darauf lautete: Bei den meisten Arbeiten suche ich nach spezifischen Eigenschaften von Individuen in Gruppenzusammenhangen. Mich hat immer das Paradox zwischen Identitat und Uniformitat interessiert. Indem ich mich auf Posen, Haltungen, Gesten und Blicke konzentriere, versuche ich Bilder zu finden. Ich bin immer auf der Suche nach Menschen, die authentisch sind, ich mochte erkennen, wie sie sich von den anderen unterscheiden. Ausserdem ist es mir wichtig, dass ich eine Beziehung zu ihnen aufbauen kann. Am Ende geht es dabei immer um Erkenntnis." Ihre Herangehensweise und Umsetzung zeigen dabei deutlich eine strukturierte Konsequenz und Art und Weise der Klassifikation, die in einigen Punkten an August Sander erinnern lassen, einen Fotografen, den sie selbst als eine ihrer Inspirationsquelle im Bereich Fotografie, neben Diane Arbus, nennt. August Sander, der in hunderten Portraits Menschen unterschiedlicher Schichten und Berufsgruppen zeigte, versuchte ein umfassendes Gesellschaftsportrait seiner Zeit darzustellen. Vergleichbar mit einem Katalog, realisierte er eine Art soziologische Bestandsaufnahme der unterschiedlichen Klassen und Stande. Seine Arbeitsweise war dabei formal, direkt und technisch prazise, da er uberzeugt war, so die universale Erkenntnis uber die Menschen aufzeigen zu konnen. Fernerhin beschaftigte ihn die Frage der gegenseitigen Beeinflussung von Mensch, Gemeinschaft und Umfeld. Mittels einer konventionellen Form der Portraitfotografie, bei der so gut wie nichts dem Zufall uberlassen wurde, registrierte er die deutsche Bevolkerung in ihren gesellschaftlichen Rollen, Positionen und Identitaten zwische

Diplomarbeit aus dem Jahr 2009 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Fachhochschule Salzburg, Sprache: Deutsch, Abstract: KURZBESCHREIBUNG: Die Diplomarbeit zum Thema Lichtmalerei im Spielfilm" behandelt die Frage, in welcher Form die klassische Malerei die Lichtsetzung im heutigen Spielfilm beeinflusst. Nach einer Ausfuhrung uber die Wahrnehmung des Lichts findet sich ein Uberblick uber die wichtigsten Kunstepochen. In der Folge wird eine Ubersicht uber die entscheidenden Entwicklungsphasen der Filmgeschichte hergestellt. Dadurch erleichtert sich die Einordnung der ausgesuchten Werke und deren herausragende Merkmale. Der Hauptteil befasst sich mit dem Vergleich des Spielfilmes mit der klassischen Malerei. Die Lichtsetzung von Standbildern in Filmen wird mit der Abbildung des Lichtes in klassischen Gemalden verglichen. Hier wird herausgearbeitet, welche Elemente einander ahneln und in wie weit die Kameramanner/frauen sich von der Arbeit der MalermeisterInnen inspirieren liessen. Das Zusammenspiel von Licht und Farbe und deren Einfluss auf Genre, Look sowie tiefenpsychologische Aspekte des/der Betrachters/in, aber auch die dadurch entstehende Manipulation werden hier besonders behandelt. Die Bilder werden in Hinsicht auf den gesamten Look, Farbtemperaturen und deren Effekte, Art des Lichtes, Lichtrichtung, Lichtqualitat, Lichtverhaltnis - Schatten / Licht, Lichtverhaltnis - Subjekt / Hintergrund und Winkel des Lichts zur Kamera verglichen. Die meisten der ausgewahlten Beispiele wurden dem Buch Filmkunste: Kamera" (Ettedgui, 2000) entnommen. Dieses Buch fasst die wichtigsten Werke sowie eine grosse Anzahl an Interviews mit den einflussreichsten Kameramannern/frauen der letzten 50 Jahre zusammen, deren gemeinsame Leidenschaft die Lichtfuhrung darstellt und die von der klassischen Malerei besonders inspiriert wurden. Das Conclusio widmet sich den Erkenntnissen aus diesen Vergleichen und gibt eine Antwort auf die Frage, in wie weit die klassische Malerei die Licht

Studienarbeit aus dem Jahr 2008 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 5 (Schweiz), Universitat Zurich (Kunsthistorisches Institut), Veranstaltung: Josef Maria Eder (1855-1944), seine Geschichte der Fotografie" (1905) und der aktuelle fotohistorische Diskurs, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Seminararbeit untersucht soziologische, technische und diachrone Aspekte der Fotografie anhand zweier Publikationen und stellt diese einander Gegenuber. Sie gibt einen Uberblick uber die einige zentrale Debatten der Fotografie wie die Legitimation der Fotografie als Kunstform oder die Rezeption und Produktion von Fotografien.

Hausarbeit aus dem Jahr 2007 im Fachbereich Kunst - Fotografie / Film, einseitig bedruckt, Note: keine, Universitat der Kunste Berlin (experimentelle Mediengestaltung), Veranstaltung: Film und Architektur, 16 Eintragungen im Literaturverzeichnis, Sprache: Deutsch, Abstract: Die offensichtliche wie vielschichtige Verquickung von Architektur und Film werden in dieser Arbeit anhand zweier Filme vergleichend analysiert. Es handelt sich dabei um "Solaris" von Andreij Tarkovski (1972) sowie das gleichnamige Remake von Steven Soderbergh (2003). Die auf einer Novelle von Stanislav Lem basierenden Werke eignen sich durch eine vordergrundige und gegensatzliche Verwendung von Architektur als Ausdrucksmittel im Film besonders zu einer ausfuhrlichen analytischen Betrachtung. Diese geschieht auch reflektierend auf den architektonisch-filmhistorischen Kontext - zwischen "Metropolis" und "Blade Runner" - .

"Photographers' Essential Field Techniques" is an exhaustive guide to all the important outdoor photography techniques, covering landscape, wildlife and nature, architecture and people.It includes expert advice on the practical aspects of being out in the field with your camera, from interpreting the weather and the light, to understanding animal behaviour and attracting wildlife to your camera.General 'in-the-field' advice is presented alongside hardworking tips for tackling specific subjects, such as insects, flowers and birds, all of which are accompanied by over 200 striking photographs.Weston also provides advice and information on adapting the techniques for a range of challenging environments including tropical rainforests and deserts, making this an invaluable book for every imaginable type of shoot.

Have you ever wondered why some wedding photographers succeed, when many others fail? Why some prosper, while others struggle to make a profit? Or how some can retire young, while others can never afford to stop? In this book, Damien Lovegrove shares with you the secrets of fusing art with commerce and gives you the vital tools needed for great achievement.
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Michael J. Marmur, MBA. President - Special Event Photography, Canada
Damien Lovegrove has created a highly respected, world class photography business. He learned his trade as a cameraman and lighting director at the BBC. In 1998 Damien teamed up with his wife Julie to launch Lovegrove Weddings. They took the industry by storm winning a string of major awards and have since photographed over 300 top weddings for clients around the world. Their extensive knowledge gained from these lucrative commissions is condensed into this valuable resource.
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Hausarbeit aus dem Jahr 2006 im Fachbereich Kunst - Fotografie / Film, einseitig bedruckt, Note: 1, Universitat Bremen, Veranstaltung: Mediatisierung des Alltagslebens. (Uber)-Lebensstrategien in Zwischenraumen., 14 Eintragungen im Literaturverzeichnis, Sprache: Deutsch, Abstract: Was ist Videokunst? Kurzer geschichtlicher Uberblick. Ausserdem ein Extra-Kapitel uber Bill Viola